1930 – 1964, La Havane, Cuba

Peintre. Peu de choses sont sues sur son passé, à part qu’il était issu d’un milieu pauvre n’arrivant pas à comprendre son intérêt pour la peinture. Résolu à se faire un nom, il étudie à l’école San Alejandro et obtient son diplôme en 1956.

Les animaux, les formes humaines et mécaniques, et surtout les cafetières abondent dans ses œuvres. Ces formes fantastiques étaient toujours affublées de roues. Cette particularité s’explique par sa profession de chauffeur de bus qu’il exerçait par défaut à Cuba, pour subsister à côté de sa profession de peintre.

Après la révolution cubaine de 1959 et conscient qu’il doit évoluer, il quitte la Havane. En 1963, il voyage à travers l’Europe et expose ses œuvres dans de grandes galeries à Paris, Amsterdam, Rotterdam et Bruxelles aux côtés de Roberto Matta et Yves Tanguy. Acosta León est vite décrit comme étant la grande révélation surréaliste de 1964. Son style est fortement inspiré du surréalisme et exprime la douleur et la lutte qu’il a connues pendant une grande partie de sa vie. On a souvent comparé son travail à l’artiste Wols. Acosta León a reçu durant sa brève carrière plusieurs prix lors de salons de peinture nationaux et de concours d’affiches, comme la 2ème Biennale d’art interaméricaine de Mexico, en 1960.

L’artiste connaît une fin tragique. L’année 1964 de retour d’un voyage en Hollande, atteint d’un cancer, il se jette du bateau qui le ramenait chez lui. Il avait 44 ans. Son décès brusque plonge le milieu artistique cubain dans un deuil éprouvant mais salutaire. En effet, son oeuvre méconnue connaît une résurgence plusieurs années après sa mort et il est enfin reconnu aujourd’hui comme l’un des plus grands peintres cubains de sa génération.

Teaser du documentaire réalisé par Vladimir Garcia et Champola, raconte la vie et l’œuvre de l’artiste plastique Ángel Acosta León. Le monde sudiste d’un artiste oublié qui exprimait dans son œuvre la « cubanité » de son monde intérieur, il a disparu en mer le 5 décembre 1964 alors qu’il rentrait à Cuba après son succès en Europe. Selon les dires du réalisateur, « sa mort est sa dernière œuvre ».

Angel Acosta Leon y su magia

2013, Rosa Chediak, autoédition

16 février 1943, La Havane, Cuba

Peintre, graveur et écrivain. À dix-sept ans, il quitte sa famille et Cuba décidé de voyager de par le monde, de visiter de nombreux musées. Après un tour d’Espagne, passant notamment par les Asturies, terre de ses ancêtres, il se fixe à Paris en 1963 et s’inscrit dans l’atelier de gravure de Friedlander. Il acquiert la nationalité française, fonde une famille et installe son atelier au pied de la butte Montmartre, après avoir vécu à Madrid entre 1976 et 1978. Le suicide de son fils cadet et la mort de sa femme Catherine Blanchard en 1993 marquent un arrêt temporaire de son travail. Il cherche alors à se rapprocher de son île natale en séjournant à Miami de 1995 à 2004.

Son art est d’une riche complexité. Compositions luxuriantes de végétaux aux formes érotiques ou agressives, constructions fantasmagoriques surgies de la terre ou du ciel sont présentes. Ou bien machines infernales peuplent ses oeuvres. Depuis quelques années, le travail récent d’Alejandro est caractérisé par une nostalgie poétique. L’artiste témoigne d’une vision unique de ce que nous pourrions décrire comme un surréalisme tropical sensuel.

Depuis 2011, il vit à Miami Beach, près de son second fils. Des œuvres de Ramón Alejandro sont conservées au musée d’art de San Diego en Californie, à l’Organisation des États américains à Washington, au Musée d’Art Moderne de Paris et dans de nombreuses collections privées, notamment celle, ouverte au public, d’Andres Blaisten à Mexico.

Diario de Cuba s’entretient avec le peintre cubain Ramón Alejandro. L’un des peintres cubains les plus remarquables du XXe siècle nous accueille dans sa nouvelle maison à Miami Beach.

Diario de Cuba est un journal cubain sur les dernières nouvelles sur l’actualité à Cuba et dans le monde : politique, économie, sports, culture, opinion, interviews et littérature.

La Familia Calandraca

2014, éditions Alexandria Library, Miami, Etats-Unis

Adua La Pedagoga

2012, éditions Aduana Vieja Editorial, Valence, Espagne

Ramón Alejandro

2006, auteurs collectifs, L’Atelier des Brisants, Paris

Primicias del delito sexual in La Habana (1952-1961)

1995, éditions Alianza Editorial, Madrid, Espagne

Alma Venus

1990, éditions Brandes, Bourgogne

Fonds perdu

1979, éditions Les Cahiers des Brisants, Mont-de-Marsan

Pure Perte

1974, éditions Fata Morgana, Saint-Clément-de-Rivière, France

1er septembre 1886 – 17 janvier 1973, São Paulo, Brésil

Peintre. Elle naît dans une riche famille de planteurs de café, deux ans avant la fin de l’abolition de l’esclavage.

Malgré un milieu conservateur, Tarsila fut encouragée jeune à poursuivre des études artistiques. Durant des vacances en Espagne, elle réalise ses premiers dessins et les vend aux archives de son école. En 1920, elle étudie à Barcelone et à Paris pour y approfondir sa formation artistique, à l’académie Julian. Là-bas, Tarsila do Amaral côtoie les artistes modernistes comme André Lhote, Fernand Léger et Albert Gleizes. Elle accède au monde des arts, s’imprégnant des idées de l’époque. Pourtant, elle décide de retourner au Brésil avec ses amis Anita Malfatti, Mario de Andrade et Menotti del Picchia.

L’artiste devient bientôt la figure de proue de l’art moderniste. Son style vif et coloré est un mélange de sa culture et des techniques parisiennes (dessins préparatoires, mise en valeur des compositions). Ses œuvres sont imprégnées de rêveries où la nature prédomine. Son travail se tente de questionnements sociétaux et politiques. En effet, son voyage en Russie dans les années 50 eut une profonde influence sur elle. Engagée, elle adhère au Parti communiste et embrasse le réalisme. Elle ne reviendra vers son style du début que vers la fin de sa vie.

Tarsila Do Amaral s’éteint à São Paulo en 1973 à l’âge de 87 ans. Son héritage est incontestable : l’artiste a réussi à stimuler le modernisme en Amérique latine et développé un style unique au Brésil. Indirectement, elle ouvrit la voie à d’autres artistes latino-américains.

La Maison de l’Amérique Latin expose son travail en 2006. En 2018, le MoMA, à New York, a inauguré une exposition importante de son travail, la 8e rétrospective sur des artistes d’Amérique latine.

« Tarsila do Amaral : Inventing Modern Art in Brazil », la première grande exposition muséale en Amérique du Nord consacrée à l’artiste, se concentre sur son travail dans les années 1920, lorsqu’elle voyageait entre São Paulo et Paris, participant à la vie créative et sociale de les deux villes et forger son propre style artistique unique.

L’exposition de l’artiste a été présentée du 8 octobre 2017 au 7 janvier 2018.

Tarsila do Amaral: The Moon: MoMA One on One Series

2023, Beverly Adams, The Museum of Modern Art, New York, Etats-Unis

Tarsila do Amaral: Cannibalizing Modernism

2019, Adriano Pedrosa, Fernando Oliva, Museu de Arte de São Paulo, Brésil

Tarsila do Amaral: a modernista

2018, Nádia Batella Gotlib, éditions Sesc, Brésil

Tarsila do Amaral: Inventing Modern Art in Brazil

2017, Stephanie D’Alessandro, Luis Pérez-Oramas, Art Institute of Chicago, Etats-Unis

Tarsila Do Amaral: A Primeira-dama Da Arte Brasileira

2005, Heloiza de Aquino Azevedo, éditions
Arvore do Saber, Brésil

Tarsila Do Amaral

1998, Ligia Maria Da Silva Rego, éditions Moderna Editora, Brésil